IL TEATRO

Tragedie: The Greatest Hits

Quasi tutte le più grandi tragedie greche sono sopravvissute fino a noi. Ecco una guida approssimativa su alcune delle migliori da approfondire:

La tragedia greca ci è nota attraverso trentadue tragedie che ci sono pervenute, composte da tre grandi autori ateniesi:   

• •    Eschilo, nato nel 526, morto nel 456 a.C. Produzione: 90 opere, dal 484 fino alla sua morte. Di lui si sono conservate sette opere teatrali, tra cui I persiani, I sette contro Tebe, L’Orestea .È il più antico dei tre grandi tragici greci (insieme a Sofocle ed Euripide ). Tredici volte vincitore del concorso tragico, è autore di cento drammi di cui solo sette ci sono pervenuti. Il teatro di Eschilo è segnato dalla forza, dalla tensione, dall’angoscia che trapela delle sue opere. Sviluppa poco la psicologia dei personaggi, ma mette in evidenza le sue concezioni sull’equilibrio della città, il disgusto della hybris (atto sproporzionato, empio) che mette in pericolo quest’ordine, e il peso della decisione degli dei nella condotta degli umani affari, in particolare nel destino delle operazioni militari, o la maledizione familiare (in particolare nel caso di Tebe e degli Atreidi ).

• •    Sofocle, nato nel 496, morto nel 405 a.C. Produzione: 122 opere, dal 468 fino alla sua morte. Sono conservate sette sue opere teatrali, tra cui Aiace, Antigone, Edipo re, Elettra , Edipo a Colono. È, con Eschilo (526-456) ed Euripide (480-406), uno dei tre grandi tragici  greci (anche se non scrisse solo tragedie). Sofocle è autore di 122 drammi (tra cui un centinaio di tragedie), ma solo sette di esse sono pervenute fino a noi. Sofocle ottenne 18 vittorie nella competizione tragica delle grande Dionisie: fu quindi l’autore più premiato di tutti. Il suo teatro approfondisce gli aspetti psicologici dei personaggi. Le sue opere raffigurano eroi, spesso solitari e persino respinti (Aiace, Antigone, Edipo, Elettra ), e confrontati con problemi morali da cui nasce la situazione tragica. Rispetto ad Eschilo, Sofocle non raffigura o ritrae poco gli dèi, che intervengono solo, nel modo della ironia tragica, attraverso oracoli il cui oscuro messaggio spesso fuorvia gli uomini.

•    Euripide, nato intorno al 480, morto nel 406 a.C. Produzione: 90 opere, dal 455 fino alla sua morte. Sono conservate diciotto opere teatrali, tra cui Andromaca, Le Troiane , Ifigenia in Tauride, Elettra, Orestea, Ifigenia in Aulide, Le Baccanti. Euripide è un contemporaneo di Socrate, e fu anche suo amico. Cominciò a comporre pezzi tragici per il teatro nel 455 a.C.. Nelle sue tragedie le donne – Medea, Pasifae, Fedra – mostrano la loro passione fisica e morale. Jean Racine (in Phèdre, Andromaque, Iphigénie ) si è ispirato alle sue tragedie. Euripide vinse un primo premio alle Dionisie nel 441, poi altri due nel 428 e nel 403. Divenne rapidamente popolare: Plutarco racconta che nel 413, dopo il disastro navale di Siracusa, furono liberati solo i prigionieri ateniesi che sapevano recitare a memoria i versi di Euripide. Dopo l’Oreste , nel 408, Euripide si ritirò in Macedonia, alla corte di Archelao, dove scrisse due drammi, Le Baccanti (opera conservata) e Archelao (ora perduta). Vi morì all’inizio dell’anno 406. Euripide introdusse innovazioni che hanno influenzato profondamente il teatro, in particolare nella rappresentazione di eroi tradizionali e mitici come persone comuni che affrontano circostanze straordinarie. Fu il pioniere di questo nuovo approccio e gli scrittori successivi adattarono questi sviluppi, alcuni dei quali caratteristici del romanticismo, fino alla commedia. Fu anche “il più tragico dei poeti”, concentrandosi sulle motivazioni profonde dei suoi personaggi in un modo che non era mai stato fatto prima. Fu “l’inventore della […] gabbia teatrale in cui si svolgeranno poi anche l’Otello di Shakespeare, la Fedra di Racine o il teatro di Ibsen e Strindberg, […] imprigionandovi donne e uomini che si distruggono a vicenda per l’intensità dei loro amori e dei loro odi “ (B. Knox, « Euripides », dans The Cambridge History of Classical Literature I: Greek Literature, Cambridge University Press, 1985), ed è anche il predecessore di Menandro.

Edipo: Un caso complesso

La tragedia greca più famosa è probabilmente l’Edipo Re (noto anche come Edipo il Tiranno) di Sofocle. La storia di Edipo, re di Tebe, si svolge come segue:  Prima dell’inizio dell’opera, Edipo, da giovane, fugge da Tebe dopo che una profezia gli ha predetto che egli avrebbe ucciso suo padre e sposato sua madre. Alla fine, Edipo torna a Tebe, sconfigge la temibile Sfinge, sposa la regina vedova Giocasta e diventa re come ricompensa.

All’inizio del dramma, Tebe è colpita da una terribile pestilenza. L’oracolo di Delfi dice a Edipo che deve uccidere l’uomo che ha ucciso il precedente re Laio. Edipo decide di farlo nonostante gli avvertimenti di varie persone (durante queste conversazioni, Edipo scopre che Laio e Giocasta avevano avuto un figlio che venne abbandonato, ma che alla fine fu adottato da altri).  Alla fine, Edipo scopre di aver ucciso Laio in un litigio sul ciglio della strada e, peggio ancora, che Laio era suo padre e la regina Giocasta sua madre. Affranto dal dolore, Edipo si acceca e pronuncia le celebri parole: “Ah Dio, ah Dio: tutto si avveri e sia conosciuto! Che questa sia l’ultima volta che vedo la luce del giorno. Maledetti i miei genitori, maledetto il mio matrimonio, maledetto il sangue che ho versato!” Edipo Re è stato definito più volte come un romanzo giallo in cui l’investigatore scopre di essere egli stesso l’assassino, e dimostra che gli esseri umani non possono sfuggire a ciò che sono e che il loro destino è inevitabile. Il difetto fatale di Edipo è il suo orgoglio e la sua arroganza, che lo rendono cieco agli avvertimenti degli altri di non proseguire la sua ricerca prima che egli scopra la tragica verità.

Freud elevò il mito di Edipo a uno dei pilastri della psicoanalisi classica. La definizione del Complesso di Edipo risale a una lettera inviata da Freud all’amico Fliess, in cui discute i rapporti di potere e conoscenza in un dramma tipicamente messo in scena dal padre, dalla madre e dal figlio. In Verità e forme giuridiche, il filosofo Michel Foucault ha analizzato le pratiche giudiziarie dell’antica Grecia attraverso la storia di Edipo raccontata da Sofocle.

Aristofane: il più grande di tutti

Aristofane (nato intorno al 450/445 a.C. – morto intorno al 385 a.C.) fu il più grande commediografo greco che scrisse 40 opere. Tuttavia, solo undici di esse ci sono giunte nella loro interezza. Le sue commedie erano satire pungenti rivolte a uomini famosi del suo tempo e alle debolezze fin troppo umane della gente comune.

Una delle sue opere più famosa, Lisistrata, parla di un gruppo di donne che protestano contro la guerra rifiutando di avere rapporti sessuali con i propri mariti fino alla fine del conflitto.

Il teatro greco antico è stato presentato per la prima volta in concorsi alle Dionisiache, feste dedicate al dio Dioniso. La cosa interessante è che Aristofane non vinse sempre il primo premio. Le opere teatrali di altri autori che invece vinsero la competizione prima di lui, sono andate tutte perdute, quindi non ci è consentito fare paragoni.

Una licenza per calunnia

George Grote ha detto di Aristofane:

“Probabilmente mai il pieno potere della commedia senza catene sarà così esibito di nuovo … la licenza spietata di attacco agli dei, alle istituzioni, ai politici, ai filosofi, ai poeti, ai privati ​​cittadini … e persino alle donne di Atene ” .

“[Gli ateniesi] sopportarono con bonaria indulgenza il pieno sfogo del ridicolo … su quelle istituzioni democratiche a cui erano sinceramente attaccati … La democrazia era abbastanza forte da tollerare lingue ostili sia sul serio che per scherzo .

 Le opere di Aristofane giunte fino a noi

• Gli Acarnesi (425 aC) Aristofane mostra di non cedere alle intimidazioni politiche. L’opera si distingue per l’assurdo umorismo e un appello fantasioso per la fine della guerra del Peloponneso
• I Cavalieri (424 a.C.) L’opera è una satira sulla vita sociale e politica di Atene e un attacco scurrile al populista favorevole alla guerra Cleone. Cleone aveva perseguito Aristofane per aver calunniato la città in una precedente commedia, I Babilonesi (426 a.C., che non ci è sopravvissuta). Aristofane aveva promesso vendetta negli Acarnesi , ed è stato ne i Cavalieri che si prese la rivincita.
• Le nuvole (originale 423 a.C., versione rivista incompleta dal 419 al 416 a.C. giunta fino a noi) Prende in giro Socrate e le mode intellettuali nell’Atene classica. La prima “commedia delle idee” conosciuta.
• Le vespe (422 aC) Aristofane ridicolizza i tribunali, che fornirono a Cleone la sua base di potere. Presenta anche il classico tema del giovane contro il vecchio che riappare in diverse commedie.
• Pace (prima versione, 421 a.C.) pochi giorni prima della fine della guerra del Peloponneso, durata dieci anni. Lo spettacolo è degno di nota per la celebrazione del ritorno alla vita in campagna. Ma il finale non è felice per tutti. Come in tutte le commedie di Aristofane, gli scherzi sono numerosi, l’azione è selvaggiamente assurda e la satira è selvaggia. Cleone, il leader populista pro-guerra di Atene, ne è ancora una volta un bersaglio, anche se era morto in battaglia solo pochi mesi prima.
• Gli uccelli (414 a.C.) Una fantasia sugli uccelli? No, è una critica all’Atene dei suoi tempi, mascherata da conversazione tra uccelli. Lo studioso William Arrowsmith, nella sua introduzione l’opera, scrive  “Un capolavoro, una delle più grandi commedie mai scritte, e probabilmente la più bella di Aristofane”.
• Lisistrata (411 aC) Il più noto dei suoi drammi, spesso prodotto in versioni moderne. L’opera è nota per essere una prima denuncia dei rapporti sessuali in una società dominata dagli uomini.
• Thesmophoriazusae (La festa delle donne, prima versione, c. 410 a.C.) Una parodia della società ateniese, con un focus sul ruolo delle donne in una società dominata dagli uomini, la vanità di poeti come Euripide e Agatone e la spudorata volgarità degli ateniesi comuni.
• Le rane (405 a.C.) Spettacolo sul tema “vecchi modi buoni, nuovi modi cattivi”. Le rane racconta la storia del dio Dioniso, che si reca nell’Ade con il suo schiavo Xanthias, che è più intelligente e coraggioso di lui, per riportare in vita il drammaturgo Euripide .
• Ecclesiazousae (L’Assemblea delle donne, c. 392 a.C.) è simile nel tema alla Lisistrata. Gran parte della commedia tratta di donne che si impegnano in politica. Lo spettacolo è molto più intriso di questioni di genere rispetto a Lisistrata.
• Pluto (La Ricchezza , seconda versione, 388 a.C.) La commedia presenta un anziano cittadino ateniese, Cremilo, e il suo schiavo. Cremilo presenta se stesso e la sua famiglia come virtuosi ma poveri, ed è andato a chiedere consiglio a un oracolo . Il consiglio che riceve è di seguire il primo uomo che incontra e portarlo a casa con sé. Quell’uomo risulta essere il dio Pluto, che è, contrariamente alle aspettative, un mendicante cieco. Dopo molte discussioni, Pluto viene convinto ad entrare nella casa di Cremilo, dove gli viene ridonata la vista. La trama può essere letta così: la ricchezza ora andrà solo a chi in qualche modo la merita.

La tragedia secondo Nietzsche

La nascita della tragedia dallo spirito della musica, (in tedesco : Die Geburt der Tragödie aus dem Geiste der Musik ) o La nascita della tragedia. Ovvero: grecità e pessimismo (Die Geburt der Tragödie. Oder: Griechenthum und Pessimismus) è un trattato estetico in cui il filosofo Friedrich Nietzsche ha delineato la sua visione circa le origini dualistiche dell’arte. La prima edizione apparve nel 1872 presso la casa editrice di Lipsia di E. W. Fritsch, la seconda versione fu pubblicata due anni dopo, ma fu difficilmente distribuita a causa dei problemi finanziari dell’editore. Nel 1886 il trattato fu ristampato con una prefazione, Saggio di un’autocritica, e un sottotitolo, Ellenismo e Pessimismo.

Nietzsche riteneva che gli antichi greci trovassero nell’arte un antidoto all’insensatezza della realtà e al pessimismo senza speranza generato dalla consapevolezza dell’assurdità del tutto. Nell’antica arte greca, l’autore vede una lotta costante tra due principi, o tipi di esperienza estetica, che chiama apollineo e dionisiaco. Nietzsche mette in discussione così l’intera tradizione estetica tedesca, che interpretava ottimisticamente l’antica arte greca come avente al centro un inizio apollineo e luminoso. Per la prima volta egli descrive invece un’altra Grecia: tragica, dominata dalla mitologia, dionisiaca e traccia parallelismi con il destino dell’Europa.

Il principio apollineo, secondo Nietzsche, è ordine, armonia, calma artistica e dà origine alle arti plastiche (architettura, scultura, pittura, disegno), il principio dionisiaco è ebbrezza, oblio, caos, dissoluzione estatica dell’identità nella massa, dando vita all’arte non plastica (principalmente la musica). Il principio apollineo si oppone al dionisiaco come l’artificiale si oppone al naturale, condannando tutto ciò che è eccessivo, sproporzionato. Tuttavia, questi due principi sono inseparabili l’uno dall’altro, agiscono sempre insieme. Combattono, secondo Nietzsche, nell’artista, ed entrambi sono sempre presenti in ogni opera d’arte.

Il trattato di Nietzsche ha avuto un enorme impatto sia sulle idee dei simbolisti russi (Vyacheslav Ivanovich Ivanov, Andrej Belyj ), sia sulla formazione dell’arte irrazionale dell’espressionismo in Germania all’inizio del XX secolo. In Gran Bretagna, le idee dionisiache di Nietzsche influenzarono il noto romanziere D. H. Lawrence (autore di L’amante di Lady Chatterley).

La Commedia Antica o Aristofanea

Il termine Commedia antica si riferisce alle commedie rappresentate ad Atene nel V secolo a.C. C. Di tutte queste opere, le uniche che si sono conservate complete sono undici opere di Aristofane , e le ultime due ( The Assemblywomen e Pluto ) furono scritte nel IV secolo a.C. C. , e sono di uno stile molto diverso dal resto, soprattutto nel ruolo ridotto del coro e del Dioniso Re del Vino.

Una commedia aristofanea risponde nella sua elaborazione a una struttura precisa e può essere suddivisa nelle seguenti parti (che si ritrovano, con alcune variazioni, nelle prime nove opere):    

•    A. prologues, “prologo”, scena che apre lo spettacolo, di tipo espositivo, prima dell’ingresso del coro.
•    B. parodos, “ingresso del coro”, scena in cui il coro entra e si presenta al pubblico.
•    C. agôn, “dibattito” tra due avversari con argomenti a favore e contro il tema principale dell’opera. Normalmente è sotto forma di una coppia di discorsi tetrametri (la cosiddetta sizigia epirematica ) e il primo a parlare è sempre il perdente.
•    D. parabasis, “marcia in avanti”. Dopo l’agone tutti i personaggi escono di scena, il coro “si fa avanti” e  si  rivolge direttamente al pubblico in tetrametri anapestici, senza che il contenuto delle loro parole abbia molto a che fare con la trama.
•    E. Dopo la parabasi segue una serie di episodi ( epeisódia ) separati da brevi canti corali che a volte continuano la trama     principale, ma di regola si limitano a illustrare la conclusione che  segue dall’agon.
•    F. esodo,  scena finale, in cui la nota predominante è la gioia che generalmente porta a un matrimonio o a una festa. L’opera può  concludersi con un cordace o danza rituale.

Per mettere in scena una commedia occorrevano tre o quattro attori, a volte con l’aiuto di comprimari, e un coro di ventiquattro membri (tutti maschi). Il coro era di fondamentale importanza. Molte commedie hanno preso i loro titoli dal coro (ad esempio, gli Acarnesi, Le Vespe, Gli Uccelli), i cui costumi e le danze arricchivano lo spettacolo. Il costume era in linea con la natura ruvida dell’antica commedia, in cui le battute avevano molto a che fare con il sesso e l’escrezione e venivano pronunciate con un linguaggio disinibito. La commedia prendeva come punto di partenza un oggetto fantastico da parte dell’eroe la cui realizzazione, del tutto impossibile nella vita reale, costituiva la trama. Pochi illustri cittadini furono spietatamente ridicolizzati; in alcune commedie appaiono in ruoli importanti, sia con il proprio nome, ad esempio Socrate Nelle Nuvole , o Euripide nelle Tesmoforie , sia sotto un leggero travestimento, ad esempio Cleone come Paflagonio nei Cavalieri. Allo stesso modo gli dèi, o alcuni dèi, ricevevano un trattamento irriverente, anche se mai in modo tale da poter mettere in discussione la loro esistenza.

È difficile vedere quanta seria critica alla società si celi dietro le battute e le facezie. L’antica commedia era allo stesso tempo una fusione di credenze religiose, satira e critica (politica, sociale e letteraria) mescolate con buffoneria.

La nuova commedia

La Commedia Nuova appare nella seconda metà del IV secolo a.C., in età ellenistica, con caratteristiche proprie, in un momento in cui il genere teatrale della tragedia è ormai scomparso. La commedia rinacque in quel periodo. Le opere così considerate sono pezzi di costume che si diffusero con grande successo in tutto l’Oriente ellenistico. Le caratteristiche e la struttura furono cambiate rispetto alla commedia precedente. Il coro scomparve, l’azione fu divisa in atti e la commedia iniziava con un prologo in cui l’autore esprimeva le sue opinioni. I dialoghi erano parlati, a differenza dei periodi precedenti in cui gli attori dialogavano con il coro che cantava. Il tema generale erano le situazioni quotidiane, e veniva utilizzato un linguaggio colloquiale tipico del popolo, con concessioni al linguaggio di soldati, degli schiavi e dei cuochi, sempre coinvolti in situazioni grottesche e divertenti. I personaggi sono stereotipati e la protagonista, quasi sempre una sposa, risulta essere spesso l’eroina. Secondo Plutarco, in questo periodo sono proibite le oscenità e viene rispettata la legge della proprietà privata, non c’è alcun amore omosessuale e non vengono sedotte le vergini, che finiscono sempre in matrimonio.

La nuova commedia era molto più facile da capire per i non ateniesi. Vengono fatte allusioni a personaggi specifici e intrighi legati alla storia della città. Fu esportata a Roma, dove venne adattata nel corso del III secolo a.C., con il nome di Fabula palliata. Plauto e Terenzio ne furono i massimi esponenti. Sembra anche che alcune commedie greche siano state semplicemente “tradotte”.

Un’opera completa di Menandro, il Dyskolos (Il misantropo o Il bisbetico), fu ritrovata casualmente nel 1956 in un gruppo di papiri acquistati da un collezionista ginevrino, Martin Bodmer. Si conoscono inoltre frammenti e titoli di circa 1500 commedie, conservati sotto forma di citazioni in altre opere.

La nuova commedia è rappresentata per noi proprio da Menandro, il quale, pur non amato particolarmente dai suoi contemporanei (vinse solo 8 volte le competizioni teatrali, pur avendo composto 108 opere) fu tuttavia adorato dal periodo ellenistico. Ci sono pervenuti un paio di brani quasi completi della sua opera (come il già citato misantropo, ad esempio) e non pochi lunghi frammenti.

I teatri (da theatron , “luogo dove si vede”) emersero a partire dal VI secolo a.C. Si pensa che prima di allora le prime rappresentazioni teatrali avrebbero avuto luogo in luoghi pubblici come l’ Agorà di Atene.

I teatri erano situati all’aperto, sulle pendici delle piste, luoghi che offrivano una buona acustica. Inizialmente le panchine erano in legno, ma dal IV secolo a.C. iniziarono ad essere costruite in pietra.

Oltre al pubblico, sono state distinte diverse aree del teatro. L’ orchestra era l’area circolare in terra battuta o con lastre di pietra posta al centro delle tribune, dove il coro eseguiva la sua interpretazione. Si pensa che l’orchestra avesse inizialmente una forma quadrangolare, come nel Teatro de Toricos. Al centro dell’orchestra c’era il thymele, un altare in onore di Dioniso, che serviva non solo per offrire sacrifici, ma anche come sostegno. Ai lati dell’orchestra c’erano gli ingressi per il coro, i parodos (parodoi).

Dietro l’orchestra c’era lo skenê, il set , una struttura la cui funzione iniziale era quella di servire da luogo dove gli attori si cambiavano d’abito, ma che finì anche per rappresentare la facciata di un palazzo o di un tempio . Di fronte allo skenê c’era il boccascena, dove gli attori interpretavano i ruoli, sebbene si trasferissero anche nell’orchestra.

Dei teatri dell’Antica Grecia, alcuni dei più importanti sono il Teatro di Epidauro, il Teatro di Dodona, l’Odeon di Erode Attico , il Teatro di Delfi, il Teatro di Segesta, il Teatro di Siracusa e il Teatro di Dioniso.

Deus ex machina

Nelle opere greche comparivano spesso attori che interpretavano divinità, che dovevano essere rappresentate in modo diverso dai personaggi umani. Quando un dio o una dea apparivano sul palcoscenico, l’arrivo era solitamente segnalato in qualche modo speciale. Molti teatri greci usavano una gru (mechane) per portare una divinità in volo e sul palcoscenico. Da questo deriva l’espressione latina deus ex machina (dio dalla macchina). Si riferiva al tentativo di un drammaturgo di risolvere la sua trama introducendo un dio che risolvesse il dilemma umano con mezzi miracolosi. Ancora oggi, l’espressione si riferisce al tentativo di uno scrittore di risolvere una trama con mezzi improbabili o artificiosi.